http://antesdelamanecer.bitacoras.com Cine y otras perversiones intelectuales es 2006-07-12T12:49:32Z hourly 1 2000-01-01T12:00+00:00 http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/12/y-luego-dicen-que-el-pescado-es-barato-la-pesadilla-de-darwin 2006-07-12T12:30:51Z Diego Salgado Filmoteca El Origen de las Especies (1859), Charles Darwin concluía que de no existir en los ecosistemas un equilibrio entre la supervivencia de unas especies a costa de otras y la posibilidad de que todas ellas prosperen, no es posible un futuro para ninguna, ni siquiera las más fuertes...



En su obra El Origen de las Especies (1859), Charles Darwin concluía que de no existir en los ecosistemas un equilibrio entre la supervivencia de unas especies a costa de otras y la posibilidad de que todas ellas prosperen, no es posible un futuro para ninguna, ni siquiera las más fuertes.

Para el documentalista austriaco Hubert Sauper, lo que ha pasado en los últimos años en el Lago Victoria, el mayor de África, constituye la perversión de los postulados expuestos por el naturalista decimonónico, y el principio de una escalada de degradación que termina por recalar a orillas de los espectadores que se atrevan a sufrir con esta espeluznante y magnífica película.

Es necesario advertir que La Pesadilla de Darwin no resultará del agrado de casi nadie. El público que se pasa la vida eludiendo el sentido de sus problemas y de los ajenos, recibirá el documental de Sauper como un bofetón. La realidad que retrata el filme corta la respiración. Por otra parte, los alternativos de suplemento dominical y los pancartistas de festivo soleado se toparán con un reportaje que no usa la demagogia ni la admite para su interpretación. Un documental riguroso y despojado que cuestiona, con su retrato de lo que pasa muy lejos de nosotros, el sentido de todos y cada uno de los actos que ejercemos cotidianamente en Occidente.

Sauper comenzó interesándose por la desaparición de la variedad animal en el Lago Victoria, considerado uno de los nichos ecológicos más importantes del mundo. Y es que como parte de un “experimento científico”, se introdujo en ese ecosistema a mediados de los sesenta del pasado siglo una especie, la perca del Nilo, ajena por completo a él y sumamente agresiva. El resultado en pocos años fue que la perca se había convertido en el animal dominante en el lago, hasta el punto de costarle encontrar alimento y verse obligada a recurrir al canibalismo. Paradójicamente, semejante anormalidad medioambiental ha supuesto para uno de los países bañados por el lago, Tanzania, una oportunidad económica: La venta de perca a la Comunidad Económica y Japón es para la nación africana una de sus mayores fuentes de recursos económicos.



¿Repercute eso en el bienestar de sus habitantes? Sauper filma con una modesta cámara digital el día a día en Mwanza, ciudad donde se recoge la pesca y se distribuye a otros países con aviones de líneas y pilotos procedentes de Europa del Este. Y Mwanza es el infierno. Hambre, sida, muerte en las calles. Ni los occidentales que han auspiciado la exportación de la perca ni las autoridades locales parecen apreciar que los nativos viven, literalmente, de los restos agusanados de pescado que sobran tras el empaquetado del alimento. Pero Sauper va más allá: Los aviones se llevan el pescado. ¿Qué traen cuando vuelven a Tanzania? ¿Cuál es el verdadero negocio bajo la excusa de la exportación? En cualquier caso, ¿cuál es el precio que pagan otros para que nosotros podamos aspirar a tenerlo todo? ¿Ese precio puede incluir la guerra?

Estos y otros muchos problemas, cuyas soluciones implicarían una revisión brutal de nuestro estilo de vida, ligado a diario en esta economía globalizada al de los seres humanos más desgraciados de la Tierra, son planteados por Sauper con enorme inteligencia, sugiriendo más que adoctrinando, sin cargar las tintas, dejando que las circunstancias hablen por sí mismas. La grandeza de su mirada reside precisamente en la dificultad de extraer conclusiones fáciles de su trabajo. Como él mismo afirma, "creo que la mayoría de nosotros conocemos los mecanismos de destrucción de nuestra época, pero no podemos fijar sus contornos. Somos incapaces de asumirlo, incapaces de creer lo que sabemos a ciencia cierta".

Y queda por citar todavía lo mejor de la película. Y es la delicadeza con que el autor retrata a los habitantes de Mwanza, la sensibilidad que destilan las imágenes de baja calidad, la atmósfera conseguida con paisajes, silencios y reflexiones de los protagonistas directos de la situación. A Sauper le fascina y le inquieta la responsabilidad individual, la complejidad de las motivaciones humanas. Todo ello enriquece su discurso y deja en el aire una sensación que algunos tacharán de pesimista, pero que en realidad viene a afirmar la imposibilidad de señalar culpables y excluirse de las responsabilidades, y la obligación de revisar los propios comportamientos. Eso no es pesimismo. Es autoexigencia. El espectador debe decidir si está preparado para exigirse algo a sí mismo, dentro y fuera de la sala.

Como ya señalaba nuestro colaborador Óscar Pablos en su revisión del cine estrenado en 2005, La Pesadilla de Darwin puede considerarse una de las mejores películas del año pasado.

Diego Salgado



La Pesadilla de Darwin (Darwin's Nightmare). Año de Producción: 2004. Nacionalidad: Austria, Bélgica, Francia, Suecia, Finlandia y Canadá. Duración: 110 minutos. Fotografía, Guión y Dirección: Hubert Sauper. Producción: Hubert Sauper, Barbara Albert, Antonin Svoboda, Hubert Toint, Martin Gschlacht, Edouard Mauriat (Mille et Une Productions, Saga Film, arte, Westdeutscher Rundfunk y Coop 99). Montaje: Denise Vindevogel. Colaboradores artísticos: Sandor Rieder y Nick Flynn. Reparto: documental. Estreno cinematográfico en España: 01/07/05. Edición en DVD: Sagrera TV.

]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/10/rusia 2006-07-10T08:29:38Z Diego Salgado Fuera de campo ¡RUSIA!, una exposición de aproximadamente 300 obras que ocupan toda la segunda planta del museo y cuatro salas de la tercera, y que ofrecen una panorámica de la creación artística de aquel país –con hincapié en la pictórica- desde el siglo XII a la actualidad.



Hasta el próximo 3 de septiembre, se celebra en el Museo Guggenheim de Bilbao ¡RUSIA!, una exposición de aproximadamente 300 obras que ocupan toda la segunda planta del museo y cuatro salas de la tercera, y que ofrecen una panorámica de la creación artística de aquel país –con hincapié en la pictórica- desde el siglo XII a la actualidad.

Como reconoce Thomas Krens, director general de la Fundación Guggenheim, en la muestra han pesado más los conceptos de amplitud cronológica y de representatividad que los estrictamente reflexivos: “lo que exhibimos, en definitiva, son obras maestras de colecciones rusas”. Y no sólo eso, sino también una relevante selección de pintura y escultura occidental, procedente asimismo de colecciones atesoradas en los siglos XVIII y XIX por Pedro el Grande, Catalina la Grande y Nicolás I, y en el XX por comerciantes moscovitas.

En esto del arte no paso de ser un aficionado, y no me atrevo a entrar en el debate que ocupa desde hace unos años a instituciones y críticos: la utilidad real de estas exposiciones megalomaniacas y superficiales, más allá de su carácter de acontecimientos mediáticos que permiten al museo de turno seguir cotizando al alza en el mercado de la cultura. Pero me es inevitable recordar que un único artista -es el caso de la muestra dedicada a John Martin y recién clausurada en Madrid- puede necesitar de hasta dos espacios expositivos complementarios, y de la inclusión en ellos de más de doscientas obras, a fin de que el público llegue calar en el sentido de su obra. ¿Qué precisarían entonces ochocientos años de arte colectivo? Una de dos, o un ciclo de exposiciones, o un comisario con una habilidad excepcional para enhebrar un discurso coherente y dinámico a partir del escaso material de partida.



Es esto último lo que se echa a faltar en ¡RUSIA! El montaje carece de una vertiente analítica y de revisión crítica; la transición entre épocas es brusca –especialmente la que engarza la era del icono con la pintura seglar del XVIII-; y la información a lo largo del trayecto nula: desde que los administradores museísticos descubrieron que los catálogos y las audioguías eran una fuente extra de ingresos, han desaparecido de la física de muchas exposiciones los elementos didácticos, dejando que las obras se las apañen solas en escenarios inhóspitos.

Esto no quiere decir, por supuesto, que no deban reconocerse los tres años de trabajo que ha supuesto organizar la muestra, ni que ¡RUSIA! carezca de interés: Uno no tiene todos los días la oportunidad de ver obras tan idiosincrásicas –y en muchos casos extraordinarias-, pertenecientes a movimientos como el realismo socialista, el arte ortodoxo, el academicismo rural del XIX, el posimpresionismo o las vanguardias del siglo XX y hasta del XXI.

Personalmente, descubrí la variedad y la libertad expresiva del arte posestalinista, y me sorprendí emocionado ante la cualidad sintética y reservada de los iconos. Toparse nada más entrar en la exposición con un monumental conjunto de nueve paneles procedentes de un iconostasio [muro con imágenes pintadas] datado en 1497, pone el listón muy alto a estilos artísticos posteriores. También agradezco haber visto en vivo obras tan célebres como La Novena Ola (Ivan Aivazovski, 1850), Sirgadores del Volga (Ilia Repin, 1870-73) o El nuevo Moscú (Yuri Pimenov, 1937).

¡RUSIA! brinda por último la oportunidad de regresar a Bilbao. Una ciudad que siempre tuvo el encanto de la fealdad, y que está siendo sometida a un lavado de cara en el entorno de la ría tan necesario como estandarizador, similar al que han disfrutado Barcelona y Valencia, y al que se verá abocado Madrid con las obras en la zona de la M-30.

Diego Salgado


¡RUSIA! Museo Guggenheim. Avenida Abandoibarra, 2 - 48001 Bilbao. Segunda planta y salas 301 a 304. Del 29 de marzo al 3 de septiembre de 2006.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/08/culpable-de-inocencia-8211-a-proposito-de-el-tigre-y-la-nieve 2006-07-08T11:27:05Z Diego Salgado En cartel ¿Inocente? ¡Inocente de qué! Con la implacable lucidez de los paranoicos, al sheriff Bill Daggett (Sin Perdón) le bastaba ese breve exabrupto para desmontar el discurso de quienes pretendían apelar a la superioridad moral para resolver a su favor una situación en la que podía reconocerse a lo sumo la indefensión de unos seres humanos frente a otros, pero nunca su inocencia.



¿Inocente? ¡Inocente de qué! Con la implacable y retorcida lucidez de los paranoicos, al sheriff Bill Daggett (Sin Perdón) le bastaba ese breve exabrupto para desmontar el discurso de quienes pretendían apelar a la superioridad moral para resolver a su favor una situación en la que podía reconocerse a lo sumo la indefensión de unos seres humanos frente a otros, pero nunca su inocencia.

Porque nadie es inocente. Nadie tiene derecho a ser inocente. En plenitud de facultades intelectuales y emocionales, el ser humano dispone de las armas suficientes como para estar obligado a absorber la complejidad de la existencia y actuar en consecuencia. Renunciar a los abismos del intelecto y a los rincones más inquietantes de nuestro corazón en nombre de una blancura cegadora es el colmo del cinismo. Pretender estar libre de culpas por el indudable alivio que ello proporciona deja en la cuneta lo único que presta valor a nuestros actos: las consecuencias del libre albedrío ejercido bajo la tutela del discernimiento. No hay ninguna cosa buena que no tenga su base en la razón.



Por eso las dos últimas películas de Roberto Benigni exhibidas en España, La Vida es Bella (1997) y la que ahora se estrena, El Tigre y la Nieve, son tan perniciosas para la salud mental. No por casualidad, al italiano le molesta sobremanera que le nombren en las entrevistas los términos pensador o intelectual. Para él todo es poesía, bondad, sensibilidad. Sus protagonistas igual se cuelan en un campo de concentración que, como en su nueva película, en la Guerra de Irak, y perpetran allí sus bufonadas como si la realidad de tales situaciones no contase.

Suponemos que el propósito de Benigni es transmutar el horror en un escenario, preservando así la inocencia de quienes sufren; él cita una y otra vez a Charles Chaplin como referente para justificar tal estrategia. Por desgracia, carece para empezar del talento estrictamente cinematográfico del inglés (lo que, de paso, hace insoportable su narcisismo). Pero es que además la actitud laxa y escapista de Benigni respecto a lo real poco tiene que ver con la combatividad de Chaplin, cuyo sentimentalismo no desvirtuó nunca su rebeldía contra la inexpresiva crueldad del universo ni los defectos del ser humano.

Así las cosas, El Tigre y la Nieve queda estrictamente reservada a quienes deseen contemplar cómo un cineasta puede alimentar su ego hasta extremos inauditos, confeccionándose a medida un personaje al que sólo le falta la aureola de santo con perjuicio de todos los demás intérpretes, incluyendo a la sufrida Nicoletta Braschi; a quienes sean capaces de soportar cualquier inverosimilitud o negligencia dramáticas con tal de compartir con Benigni el nirvana del no-pensamiento. Y a quienes no les incomode que la Guerra de Irak sea usada como excusa para desatar una salva de oportunismo, humor de guardería e impudicia emocional que deja en pañales por su virulencia a la Operación Tormenta del Desierto.

Diego Salgado




El Tigre y la Nieve(La Tigre e la Neve). Año de Producción: 2005. Nacionalidad: Italia. Duración: 114 minutos. Dirección: Roberto Benigni. Guión: Roberto Benigni y Vincenzo Cerami. Producción: Nicoletta Braschi, Elda Ferri, Ridha Turki y Gianluigi Braschi (Melampo Cinematografica para 01 Distribuzione y Focus Features). Montaje: Massimo Fiocchi. Fotografía: Fabio Cianchetti (c). Música Original: Nicola Piovani (canción "You can never hold back spring", de Tom Waits y Kathleen Brennan). Diseño de Producción: Maurizio Sabatini. Diseño de Vestuario: Louise Stjernsward. Reparto: Roberto Benigni (Attilio de Giovanni), Nicoletta Braschi (Vittoria), Jean Reno (Fuad), Emilia Fox (Nancy Browning), Lucia Poli (Señora Serao), Chiara Pirri (Emilia), Tom Waits. Estreno cinematográfico en España: 7 de julio de 2006.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/07/estrenos-8211-viernes-07-07-06 2006-07-07T08:17:36Z Diego Salgado En cartel THE WHITE DIAMOND



AMANDO A MARADONA – A la vista del número creciente de películas sobre el tema, pronto habrá que añadir otro género a los existentes: El futbolístico, que terminará por devorar a todos los demás. Este documental revisa la obra y milagros de Diego Armando Maradona.

AR MENO UN QUEJÍO – Otra muestra más de la mezcla ficción-documental, en este caso a propósito del flamenco urbano. Dirigida por Fernando de France y con las presencias de Chico Ocaña y Alex Brendemühl.

CARS – Es posible que esté lejos de ser la mejor película de Pixar, pero en cualquier caso es una gozada a nivel técnico, por lo que ha merecido una atención especial por nuestra parte.

DELITOS MENORES – Comedia dramática escrita, dirigida y protagonizada por David Duchovny (el agente Mulder de Expediente X). Ubicada en el Greenwich Village neoyorquino de hace treinta años, cuenta también en su reparto con Robin Williams, Téa Leoni y Frank Langella.

LAS HUELLAS DE DYLAN – Documental de Fernando Merinero que aprovecha una gira por España del cantautor Bob Dylan para analizar su figura y su repercusión en el panorama musical español. Con intervenciones de Luis Eduardo Aute, Joaquín Sabina, Christina Rosenvinge, Amaral, Loquillo...

JUNEBUG – Interesantísima entrega de cine indie norteamericano, que nuestro colaborador Juanma Martín analizó recientemente.

LOS MANAGERS – España también aporta su granito de arena a la zafiedad propia del verano con esta comedia dirigida por Fernando Guillén Cuervo y protagonizada por Paco León y Fran Perea.

PEOPLE - Comedia hispano-francesa a mayor gloria de Ibiza. ¿Habíamos dicho ya que el verano es deprimente?. Con José García, Rupert Everett y Rossy de Palma.

PINTAR O HACER EL AMOR - Otra comedia, pero puramente francesa, e interpretada por Daniel Auteuil y Sabine Azéma. Los protagonistas son pintores, seres humanos cultos... ¿Cuántas horas durará en cartel?

EL TIGRE Y LA NIEVE – Nueva película de Roberto Benigni tras el gran éxito de La Vida es Bella (1997) y el fiasco de Pinocho (2002). Reflexión a propósito del personaje y su obra en este mismo blog.

THE WHITE DIAMOND – Parece que el éxito de Grizzly Man propicia el estreno comercial de otros documentales de Werner Herzog. ¡Aleluya!

WORKINGMAN'S DEATH – Co-producción entre Austria y Alemania que documenta en seis episodios los trabajos más peligrosos del mundo, y que ha obtenido numerosos galardones internacionales. Al parecer su director, Michael Glawogger, elude el sempiterno informalismo que se supone intrínseco al cine realista y opta por resaltar los aspectos audiovisuales.


]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/05/dejad-la-vanguardia-a-los-ninos-a-proposito-de-cars2 2006-07-05T11:40:08Z Diego Salgado En cartel


La película más visionaria y experimental del año; la película cuya imaginación está fuera del alcance de los modernillos de digicam y suplemento de tendencias; la película que todo crítico ansiaría descubrir antes que nadie en festivales subvencionados, descargas por e-mule o dvds de importación, para montarse una reputación a su costa; esa película puede verse a partir de mañana en cualquier multicine.

Sin embargo, serán mayoritariamente niños y adolescentes quienes, gracias a la inquietud de John Lasseter y sus colegas de Pixar, tengan el privilegio de llenarse los ojos de futuro. Sus padres, mientras, seguirán perdiendo el tren de la imagen con el fútbol, las series, los concursos y el cine de carne y hueso, y lamentando que sus infantes prefieran abonarse al vacío digital en vez de compartir con ellos el magnífico, fabuloso concepto de realidad que vivimos.

Quede claro que cuando hablamos de experimentación a propósito de Cars no nos referimos a su guión, que desarrolla un argumento sencillo, de filiación capriana, en torno a un ambicioso coche de carreras de elite que descubrirá valores vitales más profundos al verse obligado a pasar una semana en un pueblecito orillado en la mítica y hoy decadente Ruta 66. Aunque la historia abunde en detalles ingeniosos, y el desenlace sí incluya algún aspecto sorprendente y de paso emotivo, basta que el lector recuerde películas como Doc Hollywood o The Majestic para hacerse una idea exacta de lo que le contarán en Cars.



Sí destacamos, por ejemplo, el uso de automóviles como personajes. Pixar cumple con Cars veinte años de animación digital en 3D, una aventura que inició Luxo Jr. (1986), cortometraje interpretado por el pequeño flexo que se ha convertido en la mascota de la compañía. La infografía empezó animando objetos inanimados por necesidad -requieren menos esfuerzo que un ser vivo-, pero Pixar ha aprovechado esa limitación de manera extraordinaria, hasta hacer de ella su marca creativa: con la excepción de Los Increíbles (una obra de autor) las películas más imaginativas de la compañía han partido de elementos tan difíciles como los juguetes (Toy Story I y II), las peceras (Buscando a Nemo) o los fondos de armario (Monstruos S.A.) para arrojar una nueva luz sobre lo cotidiano, retratar de manera irónica la realidad y forzar nuestra perspectiva de las cosas. Características propias de la animación desde el comienzo del cine, pero que Lasseter y compañía han llevado a niveles de sofisticación nunca vistos. En este sentido, el minucioso trabajo de diseño que supone hacer de unos vehículos entes vivos y expresivos es admirable, sirviendo al propósito de reimaginar un símbolo de la cultura norteamericana, y no dejando de aportar a la película una lectura fantástica y extracinematográfica: como en Maximum Overdrive o en Inteligencia Artificial, lo inerte ha despertado a una forma de conciencia que no precisa de la presencia humana.

Otro punto de interés de la película, el básico para quien esté interesado en los avances de la imagen virtual, es su condición como parte de un work in progress. Los medios y la ambición de Pixar hacen que cada uno de sus films se constituya en un referente del estado de la animación digital. Un estado insuperable, diríamos de no saber que será mejorado en el próximo proyecto de la compañía. La riqueza de las superficies y los movimientos, de los juegos lumínicos y los efectos de profundidad, es abrumadora. Los nueve primeros minutos de Cars son una orgía de imagen en movimiento en los que uno, debido también a la realización, llega a caer en cierta confusión lógica: lo que desfila ante nuestros ojos ha sido generado en un disco duro, pero su perfección y familiaridad sensorial es tal que cuesta creerlo y se nos pasa por la cabeza que está filmado.



Esto nos lleva al último comentario de la reseña, referido precisamente al acabado formal de Cars. La dirección y la edición de la película son brillantes, aunque algunos dirán que se limitan a remedar digitalmente el lenguaje de una producción de imagen real. No nos engañemos: no es ya que John Lasseter sea mejor cineasta que el 90% de quienes ruedan a vuestro lado del monitor; es que lo digital no tiene límites, y muchos parecen no comprender hasta qué punto eso está cambiando nuestra manera de observar los acontecimientos. Decir que Cars sigue respetando las estructuras clásicas porque recurre al plano-contraplano o al montaje narrativo es no comprender que el público precisa de ciertas convenciones visuales que le permitan asumir sin sobresaltos mundos que no son el nuestro, pero que terminarán por indiferenciarse de él en su textura. Sumar a ese hecho la libertad infinita de la cámara digital –que se aprecia en cualquier caso más de una vez- sería dejar fuera de combate a más reaccionarios todavía de los que ya abominan de lo virtual.

Diego Salgado




Cars (Cars). Año de Producción: 2006. Nacionalidad: EE.UU. Duración: 116 minutos. Dirección: John Lasseter y Joe Ranft. Guión: John Lasseter, Joe Ranft, Dan Fogelman, Kiel Murray, Phil Lorin y Jorgen Klubien. Producción: Thomas Porter y Darla K. Anderson (Pixar Animation Studios para Walt Disney Pictures). Montaje: Ken Schretzmann. Música Original: Randy Newman (Canción "Real Gone", Shery Crow). Diseño de Producción: William Cone y Bob Pauley. Supervisor de Efectos Visuales: Jessica Giampietro McMackin. Reparto (voces en v.o.): Owen Wilson (Lightning McQueen), Paul Newman (Doc Hudson), Bonnie Hunt (Sally Carrera), Cheech Marin (Ramone), Tony Shalhoub (Luigi), Guido Quaroni (Guido), Jenifer Lewis (Flo), Paul Dooley (Sarge). Estreno cinematográfico en España: 6 de julio de 2006.

]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/03/nada-por-aqui-nada-por-alla-a-proposito-de-nothing 2006-07-03T01:49:41Z Diego Salgado Celuloide invisible


Qué suerte tener la oportunidad de que te financien una fantasía, que de pronto tengas el dinero y los medios necesarios para desarrollar una idea de esas que se nos ocurren en conversaciones trasnochadas con un amigo, acompañadas de algunas risas. Conociendo el mundo de la industria cinematográfica, sé que no es tan fácil, sobre todo en lo que se refiere al dinero. Aunque los nuevos medios han facilitado, o más bien abaratado, el acceso a la producción y realización de un film, está claro que sigue siendo una inversión cara, y más si se incluyen también efectos especiales y demás juegos visuales, tan de moda en nuestros días.

Sin embargo, como decíamos, la película de Vicenzo Natali parece haber sido concebida durante una borrachera entre amigos, en una conversación de esas que comienzan con ¿Qué pasaría si….? o ¿Te imaginas que…? En fin, una paja mental. No dudo que durante el desarrollo de la película no hubiera habido una más detenida y concienzuda reflexión sobre la fantasía que había inspirado la historia (¿acaso no todas comienzan así?) pero el resultado se queda en… nada. Y que coincidencia que ese sea precisamente el nombre de la película, Nothing. La cosa, como me la imagino yo, porque aquí todo vale, comenzó así, ¿te imaginas que un día te levantas con problemas hasta el cuello y descubres qué con solo desearlo eres capaz de hacer desaparecer todo aquello que odias? Llegaría un momento en que solo tendrías a tu alrededor lo que de verdad te gusta y quieres. Oye, y por qué no hacemos una película sobre esto y digitalmente eliminamos todo y dejamos a dos colegas en medio de la nada, como si fuera un experimento y ellos las cobayas?



Dicho y hecho, así tenemos una película de 90 minutos que se podría haber resumido en 5, porque a pesar de su recurrente tema, la película es aburrida, y encajaría mejor en el formato de video clip. No niego que tenga un planteamiento tan original que te involucra y piensas cuál sería tu reacción en una situación similar. ¿Qué pasaría si estuviera en esa situación…? Y tal vez es destacable la reflexión que se intuye acerca de la amistad, las valoraciones humanas, el materialismo salvaje al que rendimos pleitesía. Pero todo ello se pierde en conversaciones de quinceañeros indolentes, en demasiados chistes fáciles y simples, lo que la convierte en esa perfecta película para la tele de domingo a las cinco de la tarde que ves con un ojo abierto y el otro adormilado por el calor del verano.

No he visto mucho más de este director, pero recuerdo Cube (1997) con cierto aprecio, y por encima de todo como un film no solo original sino más profundo y filosófico, o al menos esa fue la impresión que me dio en aquella época. Quizá era igual de sosa que ésta, pero prefiero conservarla como algo de valor en mi memoria que dudar de ella por esta otra, no sea que empiece a revisar todo lo que en el pasado me atrajo y sedujo y termine llorando de la depresión. Bueno, seguro que no es para tanto.

J. Arango



Nothing (Nothing). Año de Producción: 2003. Nacionalidad: Canadá. Duración: 90 minutos. Dirección: Vincenzo Natali. Guión: Vincenzo Natali, Andrew Miller y David Hewlett. Basado en una historia de Andrew Miller y Andrew Lowery. Producción: Vincenzo Natali, Andrew Miller, Andrew Lowery, Steve Hoban, Paula Devonshire, Hanno Huth, Noah Segal y Nohuhiko Sakotu (49ht Parallel Productions para Alliance Atlantis Motion Picture Distribution Inc. y Senator International). Montaje: Michele Conroy. Fotografía: Derek Rogers (c). Música Original: Michael Andrews. Diseño de Producción: Jasna Stefanovic y Peter Cosco. Diseño de Vestuario: Alex Kavanagh. Efectos Visuales: C.O.R.E. Digital Pictures. Reparto: Andrew Miller (Andrew), David Hewlett (Dave), Marie-Josée Croze (Sara), Andrew Lowery (Crawford), Maurice Dean Wint (narrador), Gordon Pinsent (hombre de traje).
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/07/02/la-censura-del-pentagono-8211-operacion-hollywood 2006-07-02T10:36:23Z Diego Salgado Cine sobre papel David L. Robb, redactor del Daily Variety y del Hollywood Reporter, documenta en Operación Hollywood cómo desde el final de la Segunda Guerra Mundial la industria de Hollywood se ha plegado a la censura de las instituciones militares para obtener su colaboración a la hora de rodar películas con trasfondo castrense.



David L. Robb, redactor del Daily Variety y del Hollywood Reporter, documenta en este libro cómo desde el final de la Segunda Guerra Mundial la industria de Hollywood se ha plegado a la censura de las instituciones militares para obtener su colaboración a la hora de rodar películas con trasfondo castrense.

A través de las llamadas “oficinas de enlace”, el Pentágono estableció una relación en principio lógica con la industria cinematográfica: Como parte integrante del Estado, el ejército prestaría un servicio público, tanto material como de asesoramiento y documentación, que de paso le ayudaría a difundir su imagen entre los civiles. Mientras que los cineastas dispondrían de unos medios que abaratarían sobremanera la producción de sus films.

Sin embargo, desde el momento en que el Pentágono tuvo derecho a supervisar los guiones de las películas que se realizarían con su ayuda, se desplegó una serie de mecanismos correctores, censores y propagandistas, desvelados por Robb con la descripción de cien rodajes concretos, que sobrepasan con mucho las atribuciones de un organismo público y entran en el terreno de lo inconstitucional. La Primera Enmienda de la carta magna estadounidense establece que “el Congreso no promulgará ley alguna que coarte la libertad de expresión”; en opinión de Robb, sí lo hace cuando aprueba partidas para financiar las oficinas de enlace, que han establecido impune y caprichosamente todo tipo de cortapisas a la creatividad de los cineastas.

El libro es ameno, detallista y revelador. Quien aún desconozca la influencia del ejército en la sociedad estadounidense, hallará en Operación Hollywood un documento espeluznante al respecto, que propicia además la reflexión en torno a las extrañísimas circunstancias de la producción cinematográfica, a menudo minusvaloradas y en no pocas ocasiones más interesantes que las películas en sí.

Robb se atreve incluso a establecer una galería final de héroes y villanos. Entre los primeros, por negarse a ceder ante los militares, figuran Oliver Stone (Nacido el 4 de julio), Clint Eastwood (El sargento de hierro) o Kevin Costner (Trece días). Entre los segundos, que en palabras del autor “han confabulado para incluir propaganda militar en las películas o han modificado sus guiones a cambio de recibir la colaboración del Pentágono”, encontramos a Jerry Bruckheimer (Black Hawk derribado), John Woo (Windtalkers) o John Wayne (Boinas verdes). La responsabilidad de cada uno de ellos queda perfectamente clara en los capítulos correspondientes.

Por otra parte, es obvio deducir de la lectura de Operación Hollywood la peligrosidad de cualquier tipo de control -militar, económico, político- sobre la creación artística. Posiblemente, un Operación Subvención dedicado a revelar los condicionantes de veto o mecenazgo público que han determinado la producción cinematográfica en España durante los últimos años, proporcionaría más de una anécdota demoledora.

Diego Salgado




Operación Hollywood – La censura del Pentágono (Operation Hollywood: How the Pentagon Shapes and Censors the Movies). Autor: David L. Robb. Traducción: Gemma Deza Guil. Edición Española: Océano, S.L. (2006). 453 páginas. 24 euros.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/30/estrenos-viernes-30-06-06 2006-06-30T09:52:34Z Diego Salgado En cartel LAS COLINAS TIENEN OJOS - Quien pueda liberarse de prejuicios o simple cerrazón disfrutará de una de las películas más interesantes de este verano. El mejor remake de género desde Amanecer de los Muertos, que comentamos en más profundidad aquí.



AALTRA – Dos vecinos se odian. Un accidente deja a ambos en silla de ruedas y propicia que emprendan juntos un viaje a Finlandia. Comedia negra de producción franco-belga, con influencias de Aki Kaurismaki.

ASTÉRIX Y LOS VIKINGOS – Adaptación en dibujos animados del álbum de Goscinny y Uderzo Astérix y los Normandos.

LA BICICLETA – Tres historias correspondientes a la niñez, la juventud y la ancianidad, con el hilo conductor de una bicicleta que pasa de dueño en dueño. Cine español intimista con buenas interpretaciones.

LA CASA DEL LAGO – Keanu Reeves y Sandra Bullock vuelven a coincidir en pantalla tras Speed (1994), protagonizando en esta ocasión el romance fantástico de un hombre y una mujer que habitan tiempos distintos. Dirige Alejandro Agresti, que hace una semana también estrenaba en España Todo el bien del mundo.

LAS COLINAS TIENEN OJOS - Quien pueda liberarse de prejuicios o simple cerrazón disfrutará de una de las películas más interesantes de este verano. El mejor remake de género desde Amanecer de los Muertos, que comentamos con más profundidad aquí.

NANG NAK – Producción fantástica tailandesa, premiada en varios certámenes asiáticos e incluida en el ciclo cine x 14 días de la distribuidora Notro Films. Podéis leer la opinión de uno de nuestros colaboradores habituales aquí.

UNA PARTIDA DE CAMPO – Una película de Jean Renoir. ¿Hace falta decir más? Obra maestra absoluta. Su proyección, pues dura tan solo 40 minutos, se ve complementada por un documental de la filmoteca francesa que incluye escenas inéditas del film.

EL SEÑOR DE LA GUERRA - Una película interesante, como todas las escritas y/o dirigidas por Andrew Niccol, pero que no se atreve a llevar el tema del tráfico de armas a sus últimas consecuencias, y prefiere privilegiar aspectos dramáticos muy convencionales.

SOY CUBA - Coproducción soviético-cubana de 1964, dirigida por Mikhail Kalatozov (Cuando pasan las cigüeñas) y muy alabada por Martin Scorsese y Francis Coppola, que nos muestra a través de cuatro episodios cómo el país centroamericano escapó a las garras de Batista y cayó en brazos de Fidel Castro.

¡VAYA VACACIONES! – Robin Williams y Barry Sonnenfeld bajan varios peldaños en su cotización hollywoodense al protagonizar y dirigir respectivamente esta comedia menor sobre un padre que embarca a su familia en un viaje en autocaravana.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/29/lecturas-en-internet 2006-06-29T11:26:32Z Diego Salgado Señales de humo primero de una serie de cinco artículos dedicados a las mejores películas japonesas de terror de todos los tiempos, divididas por subgéneros. Por ahora, los fantasmas [en inglés].



Dejan Ognjanovic nos ofrece el primero de una serie de cinco artículos dedicados a las mejores películas japonesas de terror de todos los tiempos, divididas por subgéneros. Para empezar, los fantasmas [en inglés].

Opiniones de dieciséis críticos sobre el ejercicio de la literatura sobre cine en España. En el mismo enlace podéis acceder a la primera parte del dossier. El tono general es apocalíptico, lo que no es sino un estímulo extra para persistir en la tarea.

La crítica que la célebre Pauline Kael escribió sobre el Superman de 1978, y que ha sido desempolvada por The New Yorker aprovechando el estreno de Superman Returns. Algunas de las apreciaciones de Kael en torno a los efectos especiales y el reparto de la película de Richard Donner son muy agudas [en inglés].
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/28/la-vida-como-pelicula-tarnation 2006-06-28T08:25:44Z Diego Salgado Celuloide invisible Tarnation es un documental autobiográfico del director Jonathan Caouette. Esta es una descripción fácil, una orientación sobre lo que uno espera cuando se sienta en el cine y comienza a ver la película. Pero las cosas no son tan sencillas.



Tarnation es un documental autobiográfico del director Jonathan Caouette. Esta es una descripción fácil, una orientación sobre lo que uno espera cuando se sienta en el cine y comienza a ver la película. Pero las cosas no son tan sencillas.

Durante los primeros diez minutos uno tiene que violentarse para entender que, realmente, todo lo que está viendo es vida real. Vida que un chico de once años comenzó a grabar con una cámara casera y que continuó durante las siguientes dos décadas. Vida mezclada con imágenes que parecen sacadas de un sueño y que, como entenderemos más tarde, para el adolescente, después de una intoxicación con drogas, constituyó el estado natural de ver las cosas: la realidad como un sueño, sin distinción entre lo verdadero y lo que son sencillamente alucinaciones.

La película quiere centrarse en Renee, la madre de Jonathan: una adolescente tejana que, tras un accidente y a causa de una crisis nerviosa, comenzará un tránsito penoso por diferentes sanatorios mentales y, por prescripción médica, los efectos de continuos tratamientos de shock. Caouette nos muestra las primeras fotos de su madre, una mujer bellísima, mientras nos explica cómo su estado mental va degenerando. Su propio nacimiento, cuando su padre ya los había abandonado; la violación de Renee delante de sus ojos, cuando Jonathan sólo tenía cuatro años; las sucesivas hospitalizaciones de la mujer, periodos en los que él pasa a depender de familias adoptivas que abusan de él; hasta que llega un momento de aparente tranquilidad, el retorno a los abuelos, que consiguen su adopción.



A partir de este momento todo tendría que marchar bien. Pero no es así. El adolescente reconoce su homosexualidad ya desde los once años. A los catorce comienza a sufrir ataques de violencia. También es sometido a varios tratamientos de shock -de nuevo con el consentimiento de sus abuelos, que ya lo dieron cuando su hija tuvo los primeros ataques de histeria-. En una visita a Renee, Jonathan consigue de un camello dos canutos que, como se descubrirá más tarde, han sido intoxicados con todo tipo de sustancias químicas. El joven tiene que ser hospitalizado, comienzan sus alucinaciones...

La película se compone de retazos del pasado rescatados gracias a vídeos caseros y fotografías, y montados con efectos sonoros y visuales que muchas veces recuerdan al cine de David Lynch (Caouette interpretó en el colegio una versión cantada de Blue Velvet). En palabras de Jonathan, "quiero que la gente vea cómo es el estar loco, enajenado. Cómo se siente uno, cómo ve las cosas".

Pero es difícil dilucidar lo que ofrece Tarnation: ¿un documental, una película, una sesión de hora y media de videoarte? Caouette no logra convencer hablando sobre su madre. A medida que pasan los minutos la imagen de Renee se vuelve más y más borrosa, y da paso a la del propio Jonathan, hasta que el espectador tiene la desagradable sensación de encontrarse frente al retrato de un adolescente, y más tarde joven, enamorado de su propia imagen. Incluso durante los últimos minutos, cuando el realizador hace una confesión en el baño que podría resultar enternecedora, que muchos de nosotros podríamos entender (“Tengo miedo de volverme como mi madre, de tener su misma enfermedad"), Caouette está sobreactuando. La honestidad de sus palabras se debilita debido a su narcisismo… ¿Qué quiere decirnos la película? Quizás se trata de una terapia, o de una masturbación proyectada sobre la pantalla. Es posible -uno lo desea- que ayude a Caouette a olvidar las terribles experiencias pasadas. Salimos del cine horrorizados por lo que ha pasado Jonathan, y al tiempo aliviados por no haber tenido que vivir lo mismo.

¿Es legítimo firmar una autobiografía cuando ni siquiera se ha llegado a los cuarenta, como primera experiencia cinematográfica? No. Impacto visual aparte, queda poco que pueda hablar sobre la futura carrera como director de Caouette. Él mismo afirma que su próximo proyecto será seguramente una continuación. ¿Valdrá la pena verla? El tema -él mismo- está agotado.

El espectador seguramente tiene ya bastantes cadáveres en el armario como para contemplar el onanismo visual de un extraño. Formalmente, es difícil que pueda ofrecerse algo más: Caouette se ha puesto a sí mismo el listón demasiado alto en su brillante primera incursión. En definitiva, lo mejor de Tarnation es la reflexión que suscita en torno a lo que el video arte podría aportar al cine.

Karl Rossmann




Tarnation (Tarnation). Año de Producción: 2003. Nacionalidad: Estados Unidos. Duración: 88 minutos. Guión y Dirección: Jonathan Caouette. Producción: Jonathan Caouette, John Cameron Mitchell, Gus Van Sant, Stephen Winter, Ryan Werner, Marie Therese Guirgis, Vanessa Arteaga y Jason Banker, para Wellspring Media. Montaje: Jonathan Caouette y Brian A. Kates. Fotografía: Jonathan Caouette (B/N y C). Música Original: Stephin Merritt, John Califra, Max Avery Lichtenstein. Reparto (documental): Renee Leblanc, Jonathan Cauouette, Adolph Davis, Rosemary Davis, David Sanin Paz, Greg Ayres, Vivian Kalinov, Dagon James, Shana King, Daniel Letterle.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/26/el-miedo-nos-hara-libres-seres-extranos 2006-06-26T08:03:31Z Diego Salgado En cartel Seres Extraños, desprecia la realidad. Un desprecio filosófico, como el descrito en su Ética por Spinoza; el suscitado a raíz de la representación de una cosa que impresiona tan poco al alma, que ésta, ante la presencia de esa cosa, tiende a representar más lo que en ella no hay que lo que hay. Masuoka vaga por los arrabales de Tokio filtrando la realidad a través de su cámara. Después, en su apartamento, revisa obsesivamente sus grabaciones, esperando hallar algo que escape a la superficie de las cosas.



Masuoka, el protagonista de Seres Extraños, desprecia la realidad. Un desprecio filosófico, como el descrito en su Ética por Spinoza; el suscitado a raíz de la representación de una cosa que impresiona tan poco al alma, que ésta, ante la presencia de esa cosa, tiende a representar más lo que en ella no hay que lo que hay. Masuoka vaga por los arrabales de Tokio filtrando la realidad a través de su cámara. Después, en su apartamento, revisa obsesivamente sus grabaciones, esperando hallar algo que escape a la superficie de las cosas.

Su voz en off nos informa de que lleva un tiempo desarrollando esta labor. Sin embargo, ni siquiera escenas de torturas reales le han revelado nada. Masuoka anhela una epifanía. Y ésta se manifiesta poco después de que abandone su medicación (recetada en relación con un problema del que se nos dará cuenta muy avanzada la película): Su trabajo de cámara free-lance le permite grabar el suicidio de un hombre cuyo rostro delataba el terror más absoluto antes de clavarse un punzón en el ojo. ¿Qué le hizo sentir tanto miedo como para querer matarse? Masuoka rectifica: ¿Era el miedo lo que impulsó a la víctima a otro estado de la percepción, más allá de lo que le rodeaba, que implicaba la muerte? En ese momento, desde la grabación, el suicida clava su mirada en la de Masuoka, y éste pasa al otro lado del espejo.



Publicitada como otra muestra de cine de terror japonés, en el que Takashi Shimizu se ha labrado un nombre gracias a las dos entregas cinematográficas de La Maldición (2003) y al remake norteamericano de la primera, El Grito (2004), Seres Extraños es en puridad un ensayo narrativo, centrado en la búsqueda por parte del director, el guionista Chiaki Konaka y el actor Shinya Tsukamoto -realizador por su parte, no lo olvidemos, de otras incursiones en el lado oscuro de la realidad como Tetsuo I y II o Bullet Ballet- de una imagen significativa por sí misma, iluminadora, no enturbiada ni por el formalismo adocenado de la ficción convencional ni por la inexpresividad del registro informativo/documental.

Un esfuerzo que recuerda por sus circunstancias de producción –rodaje en sólo ocho días y en vídeo digital-, y por la riqueza de sus planteamientos, a la Irma Vep de Olivier Assayas. Pero que, merced a la filiación fantástica de sus artífices, deriva frecuentemente hacia lo numinoso, y desemboca en un autismo poético y radical que liga Seres Extraños a experiencias límite de lo cinematográfico como el Arrebato de Iván Zulueta.

Las tensiones surgidas de propósitos tan libres y ambiciosos hacen temblar una estructura que ha de soportar, además, el personaje de una vampiro que obligará a Masuoka a cometer más de un asesinato; una posible relectura de los hechos en términos de drama familiar y locura; y un entrañable trabajo de espeleología en el terror literario, cinematográfico y popular –Lovecraft, Peeping Tom, Neverwhere, leyendas urbanas…-.

Demasiados puntos de fuga, que en más de una ocasión amenazan con colapsar Seres Extraños. Ello no obsta para que se trate de una película apasionante, ejemplo de cómo se puede inducir en el espectador un miedo que no tiene que ver con fantasmas de cabellera negra y paso zambo, sino con las peligrosas recompensas de querer franquear las barreras de lo visible.

Diego Salgado




Seres Extraños (Marebito – The Stranger from Afar). Año de Producción: 2004. Nacionalidad: Japón. Duración: 92 minutos. Dirección: Takashi Shimizu. Guión: Chiaki Konaka, basado en su propia novela. Producción: Yoshiyasu Ikezaki, Fumio Sebata, Hiroo Murakami, Kenzô Horikoshi, Yoichiro Onishi, Atsuko Ôno, Tatsuhiko Hirata, Tsukasa Ariyoshi, Takashi Horikoshi (Adness K.K., Culture Publishers Inc., AtEntertainment K.K., Euro Space, Panorama Communications K.K., Japan CableCast K.K.). Montaje: Masahiro Ugajin. Fotografía: Tsukasa Tanabe (c). Música: Toshiyuki Takine. Diseño de Producción: Atsuo Hirai. Diseño de Vestuario: Kuniko Hôjô. Reparto: Shinya Tsukamoto (Takuyoshi Masuoka), Tomomi Miyashita (F), Miho Ninagawa (Aya Fukomoto), Kazuhiro Nakahara (Arei Kuroki), Shun Sugata (MIB). Estreno en España: 16 de junio de 2006.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/24/winterbottom-a-proposito-de-camino-a-guantanamo 2006-06-24T00:01:24Z Diego Salgado En cartel Camino a Guantánamo, más después de haber leído unas cuantas críticas en diferentes medios de comunicación donde, evidentemente, se hace especial hincapié en la faceta de denuncia política. Para empezar, diré que lo menos interesante de este filme es la reconstrucción de las torturas en Guantánamo, precisamente, por ser lo peor en él desde un punto de vista estético. Lo realmente sublime lo constituye su primera y última parte, muestras de los verdaderos estilemas del director Winterbottom. El que mira asiste estupefacto a esos breves planos de paisajes exóticos sobrexpuestos a una música enaltecedora que parecen una continuación de Código 46: fotogramas de The Lonely Planet, retratos del planeta Tierra desde una óptica casi panteísta, en los que individuo y paisaje se mezclan en comunión directa.



Ante Winterbottom, como ante Ang Lee, la literatura cinematográfica encuentra dificultades de encasillamiento. ¿Es un autor? ¿Será su temática social, presente desde Go Now a Wonderland, su conciencia política, de Welcome to Sarajevo a In This World, sus facetas definitorias? Pero tal vez la respuesta sea de lo más simple. Winterbottom parte de géneros para desmontarlos y, de hecho, con cada intentona de uno de ellos los depura estilísticamente. Lo que le importa del género no son los códigos propios, sino su apariencia, es decir, los ambientes y la historia: El perdón lo asociamos al género western por el lugar y época en el que se desarrolla; Código 46 pertenece a la ciencia ficción porque, nos dicen, nos encontramos en el futuro; In This World y Camino a Guantánamo tratan temas de actualidad candentes que salen en los telediarios.



Con relación a estas líneas de depuración de las que hablábamos y, para centrarnos en el filme que nos ocupa, podemos establecer una gradación cuyas escalas serían Welcome to Sarajevo-In This World-Camino a Guantánamo. La primera es una película narrativa con personajes, pero, ¡ay!, donde se introduce algo muy querido por Winterbottom, el grano, el cambio de formato; Welcome to Sarajevo contiene un minidocumental dentro que es lo mejor del filme y donde, parece, le hubiera gustado quedarse pues sus otros personajes de ficción carecen realmente de interés. Pero la escena verdaderamente «Winterbottom» no llega hasta el final: el protagonista ha conseguido su objetivo y lo vemos en plano medio, en movimiento, dentro de un coche, y con música; se trata de un momento «epifánico», que ya aparecía en Besos de mariposa, con el bautismo-asesinato de la protagonista, y que irá dosificando a lo largo de su filmografía: Wonderland (el plano-emblema sería aquel de un campo de fútbol abarrotado), In This World (que es también sublime, pues casi todo el filme se compone de este tipo de escenas), incluso en 9 Songs (pero donde la música baja su volumen acorde con la acción), que podrían ser casi películas musicales, donde sus personajes no hablan, deambulan, solos, o acompañados, en medio de diferentes espacios geográficos, sin un alma o saturados de gente, que van desde el Londres urbano a una Afganistán agreste o una Antártida virgen. ¿Cómo no le han reprochado a Winterbottom a los que le gusta In This World por su temática social que se dedique a componer abstracciones geométricas con el efecto de unas luces infrarrojas, por ejemplo, en un momento muy dramático del filme? Personalmente, creo que esto es lo novedoso y las señas de identidad del realizador. Con Camino a Guantánamo, y ayudado en la dirección por el montador Mat Whitecross, llega al clímax al desfragmentar por completo la narración, con lo cual también se acerca a una estética de plena actualidad. No deja, así, ni un momento de respiro al espectador; no importa que los personajes no estén desarrollados, la dramaturgia aquí desaparece; sin embargo, se consiguen escenas altamente sugerentes, con cielos explotando sobre la cabeza de los protagonistas, y de los espectadores.



Y, ya que pocos críticos se han detenido en comentarlo, enumeraré a continuación algunos rasgos relativos a la puesta en escena de Camino a Guantánamo, que se pueden considerar compendio de varios recursos usados desde el comienzo de la carrera de Winterbottom: montaje fraccionado; uso de diferentes formatos y texturas, con planos sacados de telediarios y otros que no lo son pero que imitan su estética; flashes breves que se asocian a momentos del pasado; planos de movimiento (en todos sus filmes, hay un Viaje, o varios); planos de conjunto, lejanos, de figuras enmarcadas en espacios abiertos (hasta en Jude o With or Without You, existen); deambulaciones de personajes (el más emotivo puede que sea la carrera del niño en In This World).




Con Winterbottom somos conscientes de que la Tierra es redonda y asible (véase también I Want You). Winterbottom es hijo de la globalización y la imagen, un producto actual, que se considera habitante del mundo, no únicamente ciudadano inglés. Su acercamiento a los géneros se corresponde con una cuarta mirada, el punto de vista de una cámara lo suficientemente alejada para encuadrar la trama en un contexto espacial, no involucrarse sentimentalmente en ella, pero tampoco juzgarla; la mirada de un dios no juicioso, y que se corresponde con la mirada del cine actual, cuando ya todos los códigos están manidos de tanto usarlos y somos dueños de la imagen. El concepto de cuarta mirada toma como punto de partida la famosa clasificación valle-inclanesca a la que un autor ha de enfrentarse a la hora de retratar a sus personajes. Recordemos, estaba la mirada desde el aire, de pie y de rodillas: desde el aire, los personajes aparecen deformados, marionetas merced al demiurgo, aplastados contra el suelo; de pie es una mirada de tú a tú, el que busca el realismo o el documental o la acción de películas mainstream; de rodillas, es la épica, el western, el género de aventuras.



Y terminaré también aludiendo a otro escritor, en este caso, a Virginia Woolf, quien, con Orlando, pretendió romper todos los límites, entre ellos, los espacio-temporales. ¿Acaso no es lo que pretende Winterbottom: romper los géneros o, precisamente, a través de ellos, abarcar pasado, presente y futuro, traspasar el aquí? El viaje de In This World podría ser una traslación del viaje imaginario de Orlando pero todavía inscrito a circunstancias concretas. Habrá que seguir la carrera del realizador y ver hasta dónde puede llegar, y preguntarse por sus verdaderas intenciones autorales recubiertas de pretendida modestia.


Asia Marinero
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/23/estrenos-viernes-23-06-06 2006-06-23T08:18:02Z Diego Salgado En cartel SCARY MOVIE 4 – Catarata de parodias enhebradas con hilo grueso por el director David Zucker (Aterriza como puedas), al frente de la saga Scary Movie junto a sus guionistas habituales, Jim Abrahams y Pat Proft, desde la tercera entrega. Lo más llamativo de esta película son sus condiciones de estreno: varias distribuidoras españolas se han negado a cubrirlo debido a las abusivas condiciones de Disney en cuanto al reparto de la taquilla del film.




THE DRAGON HOUSE - Documental español sobre el Bhutan del siglo XXI.

LA EDUCACIÓN DE LAS HADAS – Nueva película de José Luis Cuerda (La lengua de las mariposas) con Ricardo Darín, Irene Jacob y la cantante Bebe Rebolledo. Cine español intimista con buenas interpretaciones.

FOFITA, UNA FOQUITA LA MAR DE SALADA – Modesta película de animación que recrea con focas la historia de amor entre Romeo y Julieta.

UNA HISTORIA DE BROOKLYN – Comedia dramática del guionista y director Noah Baumbach, centrada en el proceso de separación de sus padres cuando él era adolescente. Cine indie ubicado temporalmente en 1986, aunque su retrato de la institución familiar puede dar lugar a algunas reflexiones sobre nuestro presente.

MALABAR PRINCESS – Un niño de ocho años quiere encontrar a su madre, que desapareció en un glaciar del Mont-Blanc hace cinco años. Realización del francés Gilles Legrand, llena al parecer de humanidad y buenos sentimientos.

MALA LECHE - Comedia de enredo franco-española, con Thierry Lhermitte y Leonor Watling.

MUJERES INFIELES – Comedia dramática chilena sobre la infidelidad femenina. Con María José Prieto y Lucía Jiménez.

SCARY MOVIE 4 – Catarata de parodias enhebradas con hilo grueso por el director David Zucker (Aterriza como puedas), al frente de la saga Scary Movie junto a sus guionistas habituales, Jim Abrahams y Pat Proft, desde la tercera entrega. Lo más llamativo de esta película son sus condiciones de estreno: varias distribuidoras españolas se han negado a cubrirlo debido a las abusivas condiciones de Disney en cuanto al reparto de la taquilla del film.

SHUTTER - Mezcla de Muerte de un ciclista y The Ring, producida en Tailandia. Dirigida por Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, e interpretada por Natthaweeranuch Thongmee, Jitrada Korsangvichal y Titikarn Tongprasearth. Nuestra crítica, aquí.

TODO EL BIEN DEL MUNDO – Una mujer viaja con su hija hasta un pequeño pueblo argentino al descubrir que su marido, al que daba por muerto desde hacía veinte años, vive allí. La dirige Alejandro Agresti (El sueño de Valentín, Una noche con Sabrina Love), y la protagonizan Mónica Galán y Julieta Cardinali.
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/22/y-la-carne-se-hizo-pixel-a-proposito-de-los-increibles 2006-06-22T13:21:32Z Diego Salgado Filmoteca Los Increíbles envejecerá pronto. Que en el fondo el film carece de originalidad. Que cansa en sucesivos visionados. A lo mejor. Lo único seguro es que, recién terminada la película, uno sentía agradecimiento hacia sus creadores por ofrecernos dos horas de verdadero cine. Algo de lo que andan muy escasos tantos presuntos acontecimientos animados o desanimados.




Escribiendo sobre Los increíbles, señalaba en su momento el crítico Jesús Palacios que las fronteras entre el cine de imagen real y el animado son cada vez más difusas. Uno va aun más lejos y conjetura que, en breve, distinguir lo infográfico de lo real será no ya difícil, sino también una tarea absurda. Si la cultura audiovisual de masas ha terminado, en palabras de Elfriede Jelinek, con la autenticidad de la experiencia, de manera que cada uno es producto de la avalancha de imágenes de los medios de comunicación, la informática terminará por erradicar nuestra propia identidad física; para sentirnos reales habremos de recurrir al e-mail, la webcam, los álbumes digitales, el móvil, los blogs, los juegos en red, las descargas compartidas… el culto dionisiaco al cuerpo será sustituido por el cultivo de una personalidad etérea compuesta por píxeles y nicknames diversos.

En lo que respecta al cine, ya se ha cedido el protagonismo de la ficción a personajes infográficos nacidos a partir de la absorción del alma gestual de actores reales (El Señor de los Anillos, Polar Express). Sky Captain y el mundo del mañana iba todavía más lejos, e inyectaba a los intérpretes en un entorno por completo virtual, en el que para colmo compartían diálogos con muertos. Y en mayo de 2005 La Venganza de los Sith jubilaba el celuloide: su rodaje con cámaras digitales hacía que la imagen filmada desaguase en un disco duro donde perdía cualquier referente de realidad y fluía a través de los microprocesadores como información pura, infinitamente manipulable.



A quien le dé por lamentar la presunta deshumanización de lo digital frente a lo físico le recomendamos que compare, sin ser muy exhaustivos, engendros llenos de seres humanos como La Isla, Alien vs Predator o Bridget Jones: Sobreviviré con Los Increíbles. Convendrá en que puede leerse más humanidad en los ojos de Violeta Parr, la hija digital de Mr. Fantástico y Elastigirl, que en los rostros abotargados por el botox y los cheques de Ewan McGregor o Renée Zellweger.

Así las cosas, Los Increíbles ha de contemplarse sin más como un entretenimiento made in Hollywood. Y resulta que, como tal, el escritor y director Brad Bird ha forjado un universo maravilloso al que prestan aliento y coherencia los espíritus burlones del espionaje con glamour (James Bond, Misión Imposible) y del cómic superheroico (Los 4 Fantásticos, Control de Daños, Watchmen); que los recicla con una estética visual y musical radiante, heredera de los 40, 50 y 60 del siglo pasado; que los catapulta con un sentido narrativo ejemplar y soberbias escenas de acción; que desborda de humor, aventura y personajes atractivos; que se permite un mensaje radical para los tiempos falsamente igualitarios que corren; y que cuenta con el soporte técnico de Pixar, compañía que volvió a demostrar –como en las dos partes de Toy story o en Buscando a Nemo- su extraordinaria pericia en la animación gráfica 3D, más meritoria en esta ocasión por atreverse con personas como protagonistas.



Podrá argumentarse que, dados los avances de la animación, Los Increíbles envejecerá pronto. Que en el fondo el film carece de originalidad. Que cansa en sucesivos visionados. A lo mejor. Lo único seguro es que, recién terminada la película, uno sentía agradecimiento hacia sus creadores por ofrecernos dos horas de verdadero cine. Algo de lo que andan muy escasos tantos presuntos acontecimientos animados o desanimados.

Si reconocemos que, al fin y al cabo, los sentimientos, las emociones y las reflexiones que provoca en nosotros lo exterior constituyen lo único real, Los Increíbles se consolida como una de las mejores experiencias cinematográficas de los últimos tiempos.

Diego Salgado



Los Increíbles (The Incredibles). Año de producción: 2004. Nacionalidad: EE.UU. Duración: 115 minutos. Guión y Dirección: Brad Bird. Producción: John Lasseter, John Walker, Katherine Sarafian y Kori Rae (Pixar Animation Studios para Walt Disney Pictures). Montaje: Stephen Schaffer. Fotografía: Andrew Jimenez, Patrick Lin y Janet Lucroy (c). Música Original: Michael Giacchino. Diseño de Producción: Lou Romano. Dirección Artística: Ralph Eggleston. Reparto (voces): Craig T. Nelson (Mr. Increíble/Bob Parr), Holly Hunter (Elastigirl/Helen Parr), Samuel L. Jackson (Frozone/Lucius Best), Jason Lee (Syndrome/Buddy Pine), Eli Fucile (Jack Jack Parr), Sarah Vowell (Violet Parr), Brad Bird (Edna Mode), Dominique Louis (Bomb Voyage), Wallace Shawn (Gilbert Huph).
]]> http://antesdelamanecer.bitacoras.com/archivos/2006/06/20/lo-importante-no-es-amar-thomas-esta-enamorado 2006-06-20T10:28:19Z Diego Salgado Celuloide invisible Thomas está enamorado a lo largo de sus 97 minutos de metraje es el de la pantalla que comunica al protagonista con su amante virtual, su madre, el psicoterapeuta, un taller de reparaciones, su agente de seguros y un servicio de comida a domicilio. Thomas sufre de agorafobia y lleva recluido en su casa ocho años. La acción del film se ubica en un futuro cercano, lo que posibilita considerar verosímil la conversión del propio dormitorio en un centro de operaciones que hace superfluo el contacto directo con otros seres humanos.



El único punto de vista que nos brinda Thomas está enamorado a lo largo de sus 97 minutos de metraje es el de la pantalla que comunica al protagonista con su amante virtual, su madre, el psicoterapeuta, un taller de reparaciones, su agente de seguros y un servicio de comida a domicilio. Thomas sufre de agorafobia y lleva recluido en su casa ocho años. La acción del film se ubica en un futuro cercano, lo que hace verosímil la conversión del propio dormitorio en un universo autosuficiente que hace superfluo el contacto directo con otros seres humanos.

Si el guionista (Philippe Blasband) y el director (Pierre-Paul Renders) hubiesen querido perfilar un relato fantástico, el planteamiento se prestaba a ello sobradamente: un ser humano alienado de su entorno, que respira la vida a través de velos, hasta que un día... Sin embargo, y a pesar de que ha ganado bastantes premios en certámenes especializados, la película no pasa de ser una comedia costumbrista con trasfondo ejemplarizante: no es bueno que el hombre esté solo, nada como la compañía real, el amor es algo maravilloso, las nuevas tecnologías incomunican...

En el primer aspecto, funciona. Se logra definir al protagonista sin más armas que su voz en off, y su carácter escéptico hace muy divertidos sus diálogos con sus conocidos y con los corazones solitarios a los que se obligado a tratar por prescripción facultativa. La viveza tanto del guión como de los actores que se asoman a la pantalla de Thomas permite obviar la monotonía de la perspectiva unívoca –que por otra parte, a nivel estrictamente visual, es lo más reseñable de la película-.

El problema surge con la moralina que impregna su segunda mitad. No solo porque el giro romántico y dramático de la historia peque de forzado; es que además está uno cansado de las proclamas sobre las virtudes de la comunicación cara a cara, las relaciones íntimas, bla, bla, bla. Renders y Blasbanb dejan claro que Thomas es una persona egoísta y acomodada, pero de su roce con los demás estos tampoco salen bien parados: Psicoanalistas que han recurrido vergonzantemente a casamenteras digitales después de soltarle la charla a sus pacientes. Asalariados que ocultan bajo su fachada de empleados eficientes una indiferencia absoluta hacia los problemas de sus clientes. Niñatas ultrasensibles que luego mudan de afectos como de braguitas. Servicios sociales diseñados de cara a la galería pero incapaces de idear estrategias que funcionen individuo a individuo...

Uno, que todavía se atreve a salir a la calle, se pregunta muchas veces al volver a casa cuántos de los intercambios sociales realizados a lo largo de un día cualquiera han tenido algo de revelador, de auténtico; qué le han aportado. Y otro tanto, siendo honestos con nosotros mismos, podríamos decir en lo relativo a gran parte de nuestro entorno de amistades, familiar y hasta sentimental. Por tanto, en vez de insistir machaconamente en que no hay nada en esta vida como el arrimarnos los unos a los otros cual animales asustados, sería refrescante que de vez en cuando alguien se atreviese a primar un mensaje en torno a la calidad de nuestras relaciones por encima de su cantidad.

No nos engañemos: es la incapacidad de la mayoría para ir más allá de un gregarismo banal e insensible lo que lleva a una minoría infeliz a escoger la soledad.

Diego Salgado




Thomas está enamorado (Thomas est amoureux). Año de Producción: 2000. Nacionalidad: Francia/Bélgica. Duración: 97 minutos. Dirección: Pierre-Paul Renders. Guión: Philippe Blasband. Producción: Diana Elbaum, Jacques Bidou, Arlette Zylberberg (Entre Chien et Loup, Radio Télévision Belge Francophone, JBA Productions). Montaje: Ewin Ryckaert. Fotografía: Virginie Saint-Martin (c). Música original: Igor Sterpin. Diseño de Producción: Pierre Gerbaux. Diseño de Vestuario: Annie Fournier. Efectos Visuales: Sparx*. Reparto: Benoît Verhaert (Thomas Thomas), Aylin Yay (Eva), Magali Pinglaut (Melodie), Frédéric Topart (psiquiatra), Micheline Hardy (madre de Thomas), Alexandre von Sivers (agente de seguros), Jacqueline Bollen (Madame Zoe). Exhibición en salas españolas: 2 al 15 de junio de 2006. Edición en DVD: Notro Films.
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